Dibujo de imágenes encontradas, imágenes de películas, iconografía religiosa y fotografías personales, las nuevas pinturas de Marcus Leotaud se centran en la hora crepuscular como metáfora de el intermedio
“Estoy interesado en las partes faltantes … en los huecos y en esos momentos en los que no nos vemos claramente”, dice el artista Marcus Leotaud. En su nueva exposición individual, Entre perro y lobo En la fábrica de bombas, Marylebone, Leotaud, que creció entre Trinidad y el Reino Unido, usa la pintura para investigar los límites de la visibilidad: de lo que se muestra, de lo que se retiene, y lo que cuesta ser visto en absoluto.
Grandes lienzos de lino cuelgan bajo la iluminación de la galería baja, sus superficies mate que beben en la farola que se filtra en la galería. Velo en rojos magullados, naranjas y púrpuras, los paisajes pintados aparecen suavizados y disueltos en el anochecer. A medida que el ojo se ajusta a la paleta tenue y las superficies texturizadas, comienzan a surgir impresiones débiles de figuras y formas apenas ahí. En una pintura, dos amantes están encerrados en un abrazo apasionado, mientras que en otra, un ocelot merodean con sus ojos de vista de mirada con el espectador. En otros lugares, las aguas de los canales de Venecia se extienden y se desvanecen, como si estuvieran atrapados en un reflujo eterno.
La exposición intenta ofrecer una meditación sobre el crepúsculo, y no solo el desvanecimiento de la luz, sino el deslizamiento de la certeza en la hora crepuscular. El título proviene de la expresión francesa Entre perro y loborefiriéndose a la hora de la ambigüedad cuando “realmente no puedes decir lo que estás viendo”, explica Leotaud. “¿Es algo amigable? ¿Es una amenaza?” La frase, como el trabajo, tiene una contradicción en la tensión, aludiendo a ese breve momento en el que no puedes saber si lo que estás viendo es un amigo o amenaza. Leotaud insiste en esta ambigüedad, explicando: “No siento que esté tratando de entregar un mensaje específico”. La hora del crepúsculo se convierte no solo en un escenario, sino también en una metáfora del intermediario: un espacio en el que Leotaud está interesado en que sus pinturas habiten en lugar de resolver.
En el estudio, las pinturas de Leotaud a menudo comienzan con imágenes encontradas, desde imágenes de películas hasta iconografía religiosa y fotografías o escenas personales de memoria. “Algunas imágenes son personales”, dice. “Otros provienen de películas como Edward Yang's Un día de verano más brillante (1991). Una pintura es una escena justo antes de que el personaje principal mate a la chica que ama ”. Escenas bíblicas Al igual que Judas besando a Jesús también se hace referencia, no por su significado religioso sino por su poder narrativo. “Si él (Judas) hubiera esperado un poco más, habría visto la resurrección. Pero no podría. Ese tipo de momento, el momento justo antes, es a lo que sigo volviendo en las pinturas”. Estos momentos 'justo antes' animan el peso emocional de la exposición. Las obras son figurativas pero resisten la claridad, como si retuviera deliberadamente la comprensión completa. “Las pinturas mismas llevan esa sensación de ambigüedad”, dice Leotaud. “No estoy tratando de deletrear todo … Todos traen sus propias interpretaciones y eso me gusta”. Su abrazo de contradicción es fundamental para su práctica artística: “Es parte de la lucha: cómo decir algo y ser entendido, pero tampoco se entiende completamente”.
Los lienzos en sí son meditaciones tranquilas y brillantes. Leotaud trabaja con materiales naturales, utilizando lino, pigmento y pegamento de gelatina para crear superficies mate que absorben en lugar de reflejar la luz. “Es muy mate”, explica, “así que los colores llegan (en el lienzo) de manera diferente … sobre todo, parece que la luz se está metiendo en la superficie”. En los tonos suaves de rojos de sangre, verduras del bosque y púrpuras violetas oscuras, surgen figuras fantasmales. Esta ambigüedad es más que una estrategia formal; Habla con preocupaciones emocionales y espirituales más profundas. Algunos de los paisajes de Leotaud se basan en su educación trinidadia, donde los encuentros con el mundo natural estaban marcados por el peligro. “En Trinidad, los animales son extremadamente tímidos … ser visto significa ser asesinado”. Sus pinturas no capturan el mundo natural en sí, sino el dolor doloroso de conectarse con él: una intimidad tanto anhelaba como fuera de alcance. “Creo que los dos temas principales son la intimidad y la inaccesibilidad”, reflexiona, “ya sea con personas o con el mundo natural”.
En algunos de los lienzos en forma de ovalado, las pinturas juegan con ideas de repetición y tiempo. La misma escena se convirtió en diferentes horas de luz del día o en diferentes estados se convierte en un estudio sobre cómo la percepción altera el significado: un desplegador no lineal donde la memoria, la luz y la emoción se vuelven a sí mismos. “Hice una serie de la misma escena en diferentes momentos”, reflexiona Leotaud, “ver cómo la luz o la atmósfera podrían cambiar toda la sensación”. Incluso el proceso material refleja esta idea. Trabajando con un moquillo basado en pegamento, Leotaud crea texturas que parecen contener el rastro de cada gesto. “Aprendí que frotar la superficie lo desarrolla más que cepillarse … crea estas áreas que se sienten casi como piedra”. Al igual que la memoria, estas superficies están en capas, se frotan y se usan. Nunca se fijan.
¿Qué significa habitar en ambigüedad o incertidumbre en lugar de resolverlo? ¿Puede la intimidad sobrevivir sin un reconocimiento total? Leotaud insiste en una cierta opafura, y eso parece estar en el punto de sus pinturas. Sus pinturas viven en esos huecos, en el momento y brumoso momento de tratar de distinguir entre perro y lobo, entre conocer y no saber, entre el presente y lo que viene después.
Entre perro y lobo por Marcus Leotaud está en exhibición en la fábrica de bombas Marylebone en Londres hasta el 20 de abril.
