El estudiante graduado de segundo año Sai Varadan, director, educador y artista visual, actualmente presenta su tesis de MFA en la Galería Fredric Jameson del edificio Friedl. Su presentación es una de muchos de los estudiantes de MFA graduados de este año. El Chronicle se sentó con Varadán para hablar sobre su vida, trabajo, viaje a Duke y tesis, que se titula “El niño interior”.
La crónica (TC): Hace 20 años, su tesis de posgrado (de NYU Tisch) “God's Hand” debutó en el Festival de Cine de Tribeca. ¿Qué significó ese momento para ti? ¿Y cómo dirigió eso sus próximos pasos?
Sai Varadan (SV): Ese fue un momento increíble. Sabes, para ser honesto, hoy se siente como (abriendo mi exposición) hoy. Es solo una culminación de un par de años de trabajo, y puedes presentarlo en un foro tan excelente. Tenía 23 años y tienes un teatro lleno (en) en el centro de Tribeca, Manhattan, a 300 personas, te brinda una ovación de pie. Como artista, es una sensación increíble.
Soy un estadounidense de primera generación. Mis dos padres eran inmigrantes, y la mayoría de los padres inmigrantes comparten una filosofía similar, ya sea que vengan de África, Asia, Asia del Sur, el Caribe, para mantener el arte como un pasatiempo, estudiar matemáticas y ciencias. De ahí es de donde vienen (los padres inmigrantes), ¿verdad? No es una opción. Y entonces realmente no sabían nada mejor. Y mis padres, particularmente mi padre, solían decir siempre: “Deja de dibujar, deja de hacer todo este pésimo dibujo, deja de escribir todas estas cosas”. Ese momento en Tribeca, cuando mi película de tesis, en la que pongo mi sangre, sudor y lágrimas, es aceptado en un foro como ese, fue una sensación increíble. Mi padre está allí gritando por mí: “Mi hijo”. Siento que todos los artistas exitosos tienen ese momento en el que va de su habitación, que es su estudio improvisado, a una carrera.
TC: En su pasado, ha realizado el cortometraje antes mencionado y dos películas de larga duración (“Un estadounidense en Hollywood” y “The Health of Hope”). Al pasar del medio de la película a su exposición hoy, que es principalmente pintando, ¿cómo incorporas el medio en sí mismo de tu arte? ¿Cambia la intención o el enfoque, o intenta mantener lo más consistente posible entre sus diferentes medios con los que ha trabajado?
SV: Un tema común entre las artes visuales y el cine, para mí, es el elemento de la narración de cuentos. Comencé a dibujar y pintar primero. No entré en el cine hasta que me metí en NYU Tisch. Siempre estaba dibujando cómics cuando era niño y hacía historias narrativas en mi obra de arte. Entonces, la transición al cine fue muy simple. Estoy como, espera, puedo hacer todo lo que estaba haciendo, pero no tengo que dibujar, no tengo que pintar. Puedo encender una escena y configurar esta cámara.
(Para comenzar mi carrera cinematográfica), me mudé a Los Ángeles. Tenía varios niveles de éxito allí, pero no era mi tipo de campo. No era que LA no sea un lugar hermoso, pero soy un tipo de la ciudad de Nueva York. Así que volví a casa y estaba en esta encrucijada de mitad de carrera. Regresé a la escuela de posgrado y me metí en la enseñanza.
Hubo este programa de verano de películas en una escuela secundaria en el South Bronx. Era una escuela muy difícil, y dentro de la primera semana del programa de verano de seis semanas, los niños no escuchaban a ninguno de sus maestros, y estaban fuera de las paredes, pero me escuchaban. El decano de la escuela se me acercó al final de esa primera semana y dijo: “Debes considerar firmemente una carrera como maestra. Eres tan bueno en esto. ¿Por qué no eres maestro?”
Entonces comencé a pensar. Cuando era niño, nunca tuve un maestro en la escuela secundaria que me apartó y dijo: “Oye, eres un niño inteligente. Ven a mi habitación después de la escuela. Te ayudaré”. Sabes, esas palabras son solo literales lo que les digo a mis alumnos todo el tiempo. Cuando ese momento sucedió con el decano, pensé, me convertiré en educador. Es imperativo para mí dar a mis alumnos ese tipo de mentor en sus años de adolescencia que siento que nunca tuve.
TC: En el tráiler Para su cortometraje, “An American in Hollywood”, está este momento en el que un personaje salta de la parte posterior de una camioneta, y se ha traído en este estilo clásico de cómics y le dio el título: “El disidente”. Este momento, y gran parte de su exhibición incorpora superhéroes. ¿Puedes contarme sobre la relación entre tu arte, los superhéroes y tu infancia?
SV: Crecí soñando con ser un artista de cómics de Marvel. Y luego, cuando tenía 19 años, pasé internado en Marvel. Me pagaban por hacer un par de portadas y cosas así. Y fue uno de esos momentos en los que obtienes el trabajo de tus sueños y te das cuenta de que no es lo que esperabas. Le pagaban como $ 50 por página, y tenía plazos de dos semanas para lanzar un tema completo, por lo que el trabajo era simplemente ridículo.
(A pesar de esta experiencia), ese elemento de superhéroe nunca me dejó realmente. En “An American in Hollywood”, hay un estilo de novela gráfica entrelazada con una película de comedia romántica estándar. Juego con la idea, como lo hago en este espectáculo, que los artistas son superhéroes. Y, creo en sentido figurado que nos han puesto aquí para salvar el mundo de sí mismo. Los superhéroes, en la historia, se ponen una máscara y luchan contra el crimen. Pero, en la vida real, (los artistas) tienen que ponerse una camisa y una corbata. Tenemos que ir a trabajar, al igual que todos ellos. Y luego volvemos a casa: tenemos que cuidar a nuestros hijos. Tenemos que tomarlo. Pero luego, cuando todos se duermen, nos ponemos nuestra máscara, y comenzamos a pintar toda la noche, y comenzamos a editar nuestras películas toda la noche, y lo hacemos sin resultados predeterminados.
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| Editor de cultura
Kadin Purath es Trinity Junior y editor de cultura para el recreo.
