En el lenguaje, los mundos del arte y los deportes no están tan separados. Ambos hablan de pesos pesados, maestros, técnica magistral y la exposición de talento. Sus fines también se han acercado en la edad de la mega feria y el mercado de subastas hipercompetitivas. Durante un tiempo, el arte era deportivo, al menos en los Juegos Olímpicos. Hasta 1948, los artistas compitieron por las medallas en el “Pentatlón de las Musas”, presentando un trabajo inspirado en el deporte en la arquitectura, la literatura, la música, la pintura y la escultura.
En la era de la posguerra, cuando Art deja en el ámbito del deporte, generalmente no es venerar el atletismo humano, sino para tocar, investigar y criticar, como muestran estas ocho obras.
Andy Warhol, Muhammad Ali (1978)
Andy Warhol, Muhammad Ali (1978). Foto: Cortesía del Museo Andy Warhol, Pittsburgh.
Después de las latas de sopa, las estrellas de cine, los íconos políticos y los retratos de mascotas llegaron a los atletas. Andy Warhol no era fanático de los deportes, y fue solo a instancias de Richard Weisman, un coleccionista enloquecido, que el rey del arte pop le dio la mirada. Sin embargo, Warhol estaba interesado en la violencia estadounidense (como se muestra en su serie de muerte y desastre) y, por lo tanto, encontró un tema natural en Muhammad Ali, entonces tres veces campeón mundial.
A diferencia de las impresiones de pantalla anteriores, Warhol trabajó con sus propias fotografías con Ali. Viajó al campamento de entrenamiento del boxeador en la zona rural de Pensilvania y disparó a 50 Polaroides, eligiendo cuatro. Son inusuales. En contraste con su personalidad pública, Ali parece tranquilo, introvertido y desapasionado. De alguna manera, su puño parece menos amenazante, como si el hombre estuviera diferente una vez lejos del centro de atención. De todos modos, Ali pronto se unió a Mao, Marilyn Monroe y Mick Jagger en vender a $ 25,000 por pop. Ali no podía creer que la gente pagara tanto por una foto de “este pequeño kentuckian”. La modestia, por supuesto, era falsa.
Jean-Michel Basquiat, Atletas negros famosos (1981)
Fuera de la pared y en la página: esa es la leyenda detrás del dibujo abrasador de Jean-Michel Basquiat, y ahora icónico. A fines de la década de 1970 y principios de los años 80, Basquiat cubrió el bajo Manhattan bajo la etiqueta de Samo ©, exigiendo la atención del mundo del arte de la mejor manera, el artista joven, negro y desconocido sabía cómo. Funcionó en Glenn O'Brien, el crítico y la personalidad del centro. Después de detectar un mural gigante de tres caras negras y las palabras “atletas negros famosos”, le dijo a Basquiat que era lo mejor que había visto. Al día siguiente, el artista le regaló a O'Brien una versión en papel.
Atletas negros famosos (1981) transfiere la energía del arte callejero a la página, ofreciendo una fila de caras dibujadas con intensidad furiosa. Son anónimos e inescrutables, lo que sugiere la forma en que Estados Unidos (gestos en las cajas rojas y azules garabateadas con amarillo) trata a sus atletas negros. “La pieza era política”, dijo O'Brien. “Se presentó tan simplemente cómo la sociedad esperaba que las personas negras fueran atletas y no pintores”.
Hank Willis Thomas, Libertad (2015)
Hank Willis Thomas, Libertad (2015). Foto cortesía del Museo Brooklyn.
Hank Willis Thomas ganó por primera vez la tracción del mundo del arte con sus fotografías de cuerpos negros marcados con Swoosh de Nike. Las imágenes de primer plano de torsos cincelados y cabezas afeitadas aparecen como perversiones de anuncios brillantes. Thomas fue preocupado por el consentimiento de Nike al dominio global a través de la explotación de Michael Jordan. Mientras que antes de que el cuerpo negro fuera marcado como un signo de propiedad, ahora se calificaba como un medio para generar ingresos: la silueta de Jordania sola capaz de vender millones de pares de zapatos.
Cuando Thomas introdujo la escultura en su práctica en una década, este enfoque en los deportes y el cuerpo negro permaneció. Uno de esos trabajos es Libertad (2015), una escultura de fibra de vidrio de tres pies de altura de un brazo bien tonificado que equilibra un baloncesto en la punta de los dedos. El brazo fue tomado de un elenco del jugador retirado de la NBA Juwan Howard y la imagen en sí fue extraída de una edición de 1986 de Revista de la vida en el que un Globetrotter de Harlem se posa frente a la estatua de la libertad. Con su título provocativo y al eliminar una parte/imagen del cuerpo de su contexto, Thomas nos obliga a pensar en el todo, y con ella la historia que está ausente.
Jeff Koons, Un tanque de equilibrio total de una bola (1985)
Jeff Koons, Un tanque de equilibrio total de una bola (Serie Spalding Dr.J Silver (1985)
Imagen: Cortesía de Christie's Images Ltd.
A principios de la década de 1980, Koons se obsesionó con el concepto de equilibrio. Para él, reflejaba el espíritu humano, uno lleno de sueños altísimos pero verificado por la gravedad de la realidad. El vehículo que imaginó para la metáfora era un baloncesto solitario infinitamente suspendido en un tanque de agua. Era un riff sobre el Duchamp Readymade, uno que señala al consumismo estadounidense y la promesa de movilidad social.
En Koons's narraciónse agachó en las bibliotecas y rozó su física. La investigación sugirió que la hazaña era imposible en un pequeño tanque, por lo que llamó a Richard Feynman, el físico ganador del Premio Nobel.
Después de dos años, se encontró una respuesta. El baloncesto se bombeó con agua y dos tercios del tanque se llenaron con una solución de sal refinada y agua destilada. El tercio restante se vertió cuidadosamente en la parte superior del tanque para que la pelota flotara en lugar de sentarse en su superficie. Aun así, con el tiempo, las dos aguas se mezclan a través de vibraciones y cambios de temperatura y el baloncesto se hunde. Una metáfora adecuada en sí misma.
Elmgreen & Dragset, Cuento (2020)
Elmgreen & Dragset, Cuento (2020). Foto: 66Jiang.
A los ojos del dúo del artista escandinavo Elmgreen & Dragset, las actividades de ocio de hoy se prescriben demasiado y se agobian por reglas. Tomar el juego de tenis, el escenario para Cuento (2020), que instalaron en la nave de San Agnes, la iglesia brutalista convertida en el espacio de exhibición de König Galerie en Berlín.
Al principio, la escena parece ordinaria: un rectángulo naranja dividido por una red y gobernado por líneas blancas familiares. Tome una vuelta de la cancha y esta impresión se desvanece. A cada lado de la red hay una escultura de bronce con lacera blanca de un niño. Uno se encuentra boca abajo en el agotamiento, su raqueta arrojada a un lado, aparentemente desanimada después de la derrota. El otro se aleja de su competidor sosteniendo un trofeo de plata. A pesar de la victoria, parece triste. Sus hombros están desplomados, su expresión brillante.
Cuento cuestiona nuestra sociedad individualista e hipercompetitiva y el costo del éxito. Es una metáfora en la instantánea, una observada por una tercera escultura: un hombre envejecido se quedó atrás medio dormido en una silla de ruedas. Qué hacer de él no está del todo claro y eso, dijo Elmgreen & Dragset, es precisamente el punto.
Ernie Barnes, Regreso (1994)
Ernie Barnes, Regreso (1994). Foto cortesía de la Galería de Artista y Andrew Kreps, Nueva York.
Más tarde, mucho después de haber colgado las almohadillas y tomar la paleta a tiempo completo, Ernie Barnes admitiría que incluso durante sus días de juego, su corazón siempre había sido más arte que el fútbol. Antes de cuatro temporadas como liniero ofensivo en la Liga Americana de Fútbol, Barnes había sido atleta estrella en la Universidad Central de Carolina del Norte y estudió arte con Ed Wilson, el escultor afroamericano. Wilson alentó a Barnes a centrarse en el cuerpo en movimiento y a pintar de sus propias experiencias, cuando lo hizo en las líneas laterales de los Broncos de Denver, sin embargo, fue multado.
Regreso (1994) sigue la guía de Wilson. Una banda de música virgen se mueve en perfecta cerraduras con una marcha que recuerda a los atletas de caminar. En primer plano, los espectadores giran, posan y se balancean, llevados por la música en una celebración de la alegría negra que hace eco de la escena de la pintura más conocida de Barnes, La choza de azúcar (1976).
Ubicado en una intersección en Durham, Carolina del Norte, que marca el cambio del centro de la ciudad a la zona negra y residencial, es un tributo a las bandas de HBCU y el sentido de los deportes comunitarios puede traer. Como dijo Barnes: “La cadencia de la batería de ritmo rápido, de alto rango y alma hizo que todos se sintieran bien y se movieron sincronizados con la música. Los jóvenes, los viejos, paralizados y decrépitos, todos vibrados por dentro con alegría ”.
Trenton Doyle Hancock, Comp como (2023)
Vista de instalación de Camh Court. Foto: Cortesía del Museo de Artes Contemporáneas Houston y Francisco Ramos.
Para Trenton Doyle Hancock, la práctica es el juego. El artista con sede en Houston considera que sus pinturas grandes juguetes y su estudio son un patio de recreo abierto. Este espíritu artístico se volvió literal con Comp como (2023), en el que Hancock instaló una cancha de baloncesto jugable dentro del Museo de Artes Contemporáneas Houston.
Hancock llenó la cancha y sus backboards con sus personajes de Bringback, criaturas humanoides en blanco y negro que pertenecen al universo de dibujos animados inventados del artista. Un desafío fue la forma de paralelograma de la galería, que obligó al artista a retorcer un tribunal de regulación al espacio (con un poco de ayuda de Adidas). “La cancha de baloncesto es muy dinámica y genera un nuevo tipo de juego”, dijo Hancock. Aun así, este juego tenía reglas, las pintadas en negro en una pared de la galería blanca. Estos incluyeron firmar una exención, usar zapatos de goma y, por último, “divertirse”.
Matthew Barney, Secundario (2023)
Matthew Barney, Secundario (2023). Foto: Cortesía de Gladstone Gallery.
Durante un partido de fútbol de exhibición en 1978, el receptor abierto de los New England Patriots, Darryl Stingley, se paralizó de por vida cuando un tackle del defensivo de los Oakland Raiders, Jack Tatum, se rompió la columna vertebral. Un joven Matthew Barney estaba mirando en la televisión y, en su narración, el accidente lo cautivó, profundizando su amor por el deporte.
En Secundario (2023), Barney creó una recreación deformada del horror, plomando la violencia para interrogar a la sociedad que la produce y consume tan fácilmente. Para hacerlo, Barney llenó su estudio de Long Island City con las trampas del deporte: un reloj LED gigante se fija en la pared afuera y Astroturf, iluminado por los reflectores, cubre el piso. Un jumbotron en el centro del campo, junto con pantallas en la esquina, muestra a Barney entre los actores que realizan versiones cáusticas de los rituales del deporte. Todo el tiempo, el reloj se reduce a su brutal clímax.
Deligente a un lado hay una zanja de seis pies de profundidad excavada en la base del estudio que lo expone a las mareas de East River, un recordatorio contundente de que toda la estructura está rota.
