Materia y forma: cinco mujeres artistas para ver desde el salón de diseño de París

El mundo del diseño está cambiando, y con él, un nuevo salón de diseño se está haciendo cargo de París por segunda vez durante la semana de la moda. Materia y forma No es su feria típica: es una invitación para explorar el paisaje del diseño en la intersección de la artesanía, la creatividad y el comercio. Lanzado por Dan Thawley y Matthieu Pinet el año pasadoel nuevo salón – celebrado en Jardin des Tulleries – Desafía el concepto de lo que pueden ser el diseño, el arte y la moda hoy. Los pabellones efímeros, con sus fachadas plateadas reflejadas, bienvenidas a más de 60 expositores de todo el mundo, desde Ucrania hasta Japón, con marcas de renombre como el ícono y muebles de muebles de todos los rondas daneses hasta los talentos emergentes como Cubrir y nm3.

Estableciendo un diálogo entre la tradición y la innovación, la segunda edición de la feria rinde homenaje a la exposición de 1925 Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en París, un momento crucial en la historia del diseño. 100 años después, la ciudad se convierte nuevamente en un centro de arte progresivo, dedicado a proyectos e ideas que combinan el pensamiento de diseño contemporáneo con artesanía, charlas de diseño y referencias arquitectónicas en todo momento.

A continuación, cinco artistas y curadores de la materia y la forma de este año hablan sobre su trabajo, funcionalidad y creación a pesar de las condiciones desafiantes.

Con su versión juguetona y pragmática de los objetos, Natalia Criado crea joyas para la mesa. “Es una forma madura de representar a mi hijo interior”, dice el artista con sede en el Milán, conocida por su metal de metal escultórica única, que conecta el diseño contemporáneo con la artesanía. Inspirándose en el patrimonio de las formas precolombinas y el arte arcaico, Criado tiene un fuerte deseo de rescatar algunas de las culturas y creencias de su tierra natal con la ayuda de los artesanos locales mientras incorpora un espíritu de diseño moderno. Su trabajo es un retrato de una emoción, un cierto tipo de energía, que agrega carácter artístico a entornos cotidianos.

Para la materia y la forma, presenta su nueva colección, Escritoriolo que hace que sentarse en la oficina y procrastinar diversión nuevamente. Las piezas incluyen, entre otros, un soporte para teléfono, tazas de oficina y un pisapapeles, diseñado para inspirar y elevar la rutina diaria de la oficina y estar más presente, algo que Criado valora progresivamente en el mundo de hoy. “Quería ofrecer accesorios que puedan hacer que los momentos de reunión de trabajo alrededor de una mesa de trabajo sean más agradables, usando el mismo lenguaje estilístico juguetón que uso en mis colecciones pasadas”, agrega, refiriéndose a sus formas geométricas firmantes.

“Mis piezas están vivas”, dice Justine Menard, quien explora el vidrio como un medio para la expresión artística. Cada uno de ellos es como la poesía, tan significativa y frágil como el material en sí. Ella quiere que las personas se conecten y miren dentro de sí mismas al experimentar su arte, creando en última instancia “una red de sentimientos”. Basado entre París y Barcelona, ​​su búsqueda de pureza y magia está inspirada en formas suaves y femeninas que crecen en joyas, objetos, broches y vajilla.

“Cada vez que tengo una idea, no necesariamente va a funcionar”, dice Menard sobre su forma de hacer las cosas. Para ella, todo puede ser funcional, solo tienes que cambiar la perspectiva. “En mi proceso creativo, me gusta explorar y ver cómo un objeto puede encajar en la sociedad”, explica, refiriéndose a sus obras de arte etéreas como esculturas antes de ofrecer su visión de utilidad. Fascinado por la forma en que el vidrio se transforma, el artista francés aprendió que la imperfección es esencial, no solo para su trabajo, y la disciplina es la forma más alta de recompensa. “Cada vez que trabajo en la misma pieza, será diferente a la otra”, continúa. “Al final, se trata de la vida. Cada día es el mismo pero diferente “.

“Para ser excepcional, un mueble debe ir más allá de la funcionalidad”, dice Lola Maria Tulle, fundadora de la Galería Brasileña Aalvo. El espacio experimental eleva el diseño como una forma de arte y siempre está en la búsqueda de piezas que desafían las convenciones. Cada uno de ellos es una escultura, reconocida principalmente por su calidad artística inherente. “Me atraen piezas que no solo ocupan el espacio sino que lo transforman”, dice sobre su profundo aprecio por las obras donde el material en sí es parte de la historia. “Más allá de la estética, también estoy interesado en artistas que no solo hacen objetos para el uso diario, sino que cuestionan el acto mismo de la creación”.

Cuando se trata de la escena de diseño de Brasil, Tule se refiere a la capacidad del país para convertir la adversidad en creaciones únicas. “Sin el mismo acceso educativo y cultural que los países desarrollados, Brasil compensa con la creatividad y un enfoque intuitivo”, afirma. Si bien el buen gusto no siempre se trata de lo que se considera hermoso, el joven curador cree que hay un gusto por todo: “No es algo frívolo, sino más bien una forma de arte funcional que es capaz de transmitir una visión personal sin las tendencias siguientes a ciegas”. Cuando se encuentra, se vuelve atemporal, no fácilmente definido o replicado “.

El bloqueo de vidrio en Palestina ha existido por más de mil años. Hollow Forms quiere revelar la historia oculta del material en la región. “La ironía es que, si bien se ha romantizado como una nave bíblica, las personas reales que lo hacen hoy apenas sobreviven bajo ocupación”, dice Dima Srouji, arquitecto, artista visual y fundador de las formas huecas, un proyecto profundamente personal que colabora con bloques de vidrio palestinos para no solo mantener no solo seguir adelante la tradición. “No se trata de preservación en aras de la nostalgia”, continúa, “sino de hacer un trabajo que mantiene vivo la nave en las conversaciones contemporáneas”.

Aunque el soporte de vidrio es una práctica antigua, es el material que trasciende el tiempo y el espacio, lo que hace que las piezas se sientan modernas. “La forma en que el vidrio baila hoy es muy similar a cómo lo hizo durante el Imperio Romano y antes”, dice Srouji, quien está interesado en la idea del objeto del trauma y el trauma de los objetos. “Un recipiente roto, un artefacto desplazado, un fragmento de arquitectura: estos son testigos de la violencia, el desplazamiento y la pérdida”, explica. “Pero también los veo como sitios de curación, que no se trata de borrar el trauma sino de transformarlo”.

Para Shaha Raphael, hacer es una forma de lidiar con todo lo que la rodea. Es lo que la mantiene en flujo. Impulsado por una fascinación con los materiales, el fabricante con sede en Beirut combina arquitectura y artesanía con curiosos objetos y espacios. “Siempre me dirán en qué quieren convertirse y no al revés”, explica su proceso creativo, que combina la precisión digital con la experiencia artesanal. “Realmente creo en el poder de los objetos”. Los errores no son parte de su vocabulario de diseño. En cambio, ella los ve como encuentros casuales y gestos curiosos.

En materia y forma, el fabricante y arquitecto libanés muestra su trabajo, tensión superficialque se trata de crear con tensión, como fuerza impulsora y en el contexto del material. “El país es un gran taller”, dice Raphael sobre el Líbano, un crisol de muchas comunidades diferentes que son puramente artesanos. “Estuve aquí cuando la guerra comenzó en Beirut en septiembre de 2024, y fue muy real y paralizante. Llamé a las personas con las que estoy trabajando, y me decían hasta que no vengan y nos obtengan de nuestro taller, no nos estamos moviendo. Es una dualidad loca. Para ellos, tanto como lo fue para mí, una forma de hacer frente a las cosas ”.

Materia y forma tendrá lugar en París del 7 al 10 de marzo de 2025 en Jardin des Tulleries.