Kilbourne, si no es para dar una fantasía, captura la elasticidad hipnótica del tiempo en la fiesta correcta, donde un solo bar de música se expande en algo interminable. Este álbum elimina la estructura de retroceso a favor de la textura, encontrando claridad en la repetición y el peso en la restricción. Cada pista se desarrolla con ritmo deliberado, lo que permite que el sonido respire, estire y cambie.
¿Qué inspiró la creación de “si no para dar una fantasía” y cómo se diferencia de sus trabajos anteriores?
Comencé este récord en el otoño de 2023. Me sentí profundamente inspirado en la distorsión y especialmente en la dilatación del tiempo que ocurre en una fiesta realmente buena. Cuando puede arrojar distracciones y bloquear, un bar de música puede sentirse interminable, increíblemente rico y lleno de textura y detalles que no es necesariamente accesible en los auriculares o en una sala de estar.
Esto me llevó a pensar menos en la estructura y más momento a momento: ¿cuál era el timbre y el efecto del sonido, y cómo podría alcanzar su forma más pura? En consecuencia, muchas de las canciones se inclinan mínimas. Estoy llegando a donde voy más lentamente, pero de una manera mucho más satisfactoria.
“Double BBL” muestra una interacción única de tempos y texturas. ¿Cuál fue su enfoque en la elaboración de esta pista?
Double BBL comenzó cuando llegué a casa temprano en la mañana de una fiesta. Tenía sueño, pero mi computadora estaba abierta en el sofá y me dije a mí mismo. Uno se convirtió en veinte, y al día siguiente grabé un atasco ácido sobre los sonidos que había hecho.
Después de reducir la media hora de 303 en 4 minutos, hice los prolongados más limpios, que son 2 909 que siguen cambiando de lugar, oscureciendo a la baja hasta que se puede escuchar en ambos sentidos. Me encanta cuando escucho un set y ya no está claro dónde está el Bobeat, cambia cómo se mueven las personas y puede desencadenar un reinicio en la pista de baile.
¿Qué aspiraciones tienes para Hammerhead y cómo imaginas su papel en el panorama de la música hardcore?
Hammerhead se trata de los lados más psicodélicos y sensuales del techno hardcore. Es una presencia constante en América y Nueva York, pero creo que puede entrar en la escena global, mostrando la posibilidad de eventos íntimos a menor escala, sintiéndose más libre para hacer que el hardcore evite las comparaciones de género simples. No es explícitamente una fiesta queer, pero se inclina de esa manera. Es incondicional para los monstruos. Espero que podamos lanzar música de más artistas que amo, y también seguir trayendo artistas que normalmente no tocan en Nueva York.
¿De qué manera su objetivo es provocar una introspección más profunda en su audiencia a través de sus composiciones?
Espero que este álbum permita a las personas disfrutar de música dura que también respira, que sabe cuándo aplicar presión y también cuándo aliviarla. Debería permitir una variedad de sentimientos y alegría, y nuevamente espero que el ritmo permita que el tiempo se dilatara, y para que un oyente disminuya la velocidad y explore el timbre y la intención de los sonidos.
Habiendo sido parte de las escenas hardcore de Nueva York y de Nueva York, ¿cómo han influido estos entornos en su desarrollo artístico?
Amo ambas escenas, estos son los lugares donde he conocido a muchos de mis amigos más cercanos, donde me he sentido visto y entendido musicalmente. New York Hardcore es muy apasionado y abierto a todo tipo de sonido, lo que me ha hecho (y creo que muchos otros) se sienten libres de jugar lo que quiera y experimentar.
También el legado de los registros de fuerza industrial es crucial, estaba a la vanguardia de empujar a Gabber y Techno de empuje raro y jodido. Siento que también he encontrado una verdadera familia en los Países Bajos, con el mundo hardcore más alternativo, personas que he conocido a través de PRSPCT, Meta4 y otras tripulaciones de “hardcore industrial”.
Hay montones de productores profundamente talentosos allí, es inspirador ver su trabajo y me motiva a aprender más. Estoy obsesionada con las festivales hardcore holandeses, son experiencias singularmente extrañas cada vez, parece que realmente estás en el vientre de la bestia.
Con lanzamientos anteriores en varias etiquetas notables, ¿cómo “si no es para dar una fantasía” representa su crecimiento como artista?
El mayor cambio fue cuánto prioricé divertirme durante el proceso de escritura. Los últimos cinco años se han sentido como un sprint para hacer un hardcore objetivamente bueno, marcar ciertas casillas y hacer pistas que las personas que admiro y juego en mis sets encontrarían valiosas. Obviamente, eso es algo que todavía me importa, pero durante la escritura intenté dejar de anticipar una respuesta al trabajo y concentrarme en hacer que la música sea un proceso sostenible y agradable que pueda hacer durante décadas.
Tu música es profundamente personal y físicamente intensa. ¿Cómo te cuidas, mental y físicamente, mientras navegan por las demandas de actuar y producir a este nivel?
Creo que participar en los eventos que juegas es importante. Tomarse el tiempo para estar en la multitud, bailar, se siente importante si no quieres sentirte alienado por tu trabajo. Cuando viajo por música, trato de hacer tiempo para ver amigos. A veces todo esto se siente como una gran excusa para pasar el rato con las personas que comparten una obsesión. También soy muy bueno para dormir en trenes y aviones.
Entrevista por Donald Gjoka
