El artista, un trasplante de Oklahoma, fue instrumental en el establecimiento de la animada escena artística de Los Ángeles de la década de 1960.
La imagen visual y el objeto de material se llevan a cabo en EQUIPOISE en las pinturas de Goode, que van desde botellas de leche en el pecho delantero hasta nubes que flotan por encima en cielos azules.
¿Es una pintura una imagen o un objeto? O revertir el orden para una escultura: ¿es un objeto o una imagen?
Son ambos, el arte de Joe Goode respondió cuando comenzó la década de 1960, algo seguramente material pero puramente visual. Y algo más además, algo curioso y atractivo que nunca has visto antes. En su trabajo más fuerte, el artista con sede en Los Ángeles, que murió de causas naturales mientras duerme el 22 de marzo, un día antes de sus 88th Cumpleaños: mantuvo la imagen y el objeto en Equipo de Equipo excéntrico. El resultado es una extraña sensación de presencia vívida.
En 1961, poco después del trasplante de Oklahoma dejó el Instituto de Arte Chouinard (ahora Calarts), donde estudió con el influyente artista de luz y espacio Robert Irwin, Goode comenzó una serie enigmática de 13 pinturas de botellas de leche. La mayoría son lienzos más o menos cuadrados de cinco a seis pies de color aparentemente monocromático.
Joe Goode, “Feliz cumpleaños”, 1962, medios mixtos
(Museo de Arte Moderno de San Francisco)
Una botella de leche de vidrio de Alta Dena Dairy untada con pintura, ya sea en color correspondiente o contrastante, se para en el piso frente a la pintura, que se cuelga a unas tres pulgadas del piso, sin duda una altura inusual. Instalada tan baja, la escala de la pintura está orientada al cuerpo de un adulto promedio que lo mira. La pintura plana se convierte en una “pared”, la botella de leche untada se convierte en “una pintura”.
A veces, Goode incluía un dibujo de contorno de la botella detrás de él en el lienzo, lo que sugiere que uno es la proyección del otro. (Si la botella o la pintura es la proyección sigue siendo una pregunta). Mire de cerca, y a menudo el lienzo monocromático se cepilla suavemente con múltiples capas de color. El resultado es etéreo, mejorando aún más el enigma de imagen/objeto.
La serie Knockout de Goode surgió de dos fuentes principales. Uno era el contemplativo, casi monocromático, todavía una vida de los buques de cerámica por artistas italianas anunciadas Giorgio Morandique causó revuelo en 1961 en la rara exposición de la Galería Americana del pintor en Ferus en La Cienega Blvd. El otro fue el argumento vigoroso entre la abstracción y la figuración como corredor de la vanguardia de la vanguardia, y luego ser muy reñido en el mundo del arte estadounidense. ¿Cuál fue más aventurero? La réplica pintoresca de Goode, todavía vidas que mantenían lo abstracto y el equilibrio figurativo en el equilibrio tenso, neutralizó brillantemente ese argumento, al tiempo que agregó profundidad a la dicotomía del objeto/imagen.
Una tercera fuente menos observable era más privada y personal: cuando nació el primer hijo de Goode, el lechero llegó a la puerta casi a diario con una botella de Alta Dena fresca. El artista lanzó la serie. El espolón del arte vino no solo del mundo del arte especializado, sino de la experiencia humana ordinaria. El trabajo de Goode era llevarlos a todos en un juego armonioso. Un trabajo, un monocromo morado profundo que se eleva detrás de una botella de naranja vívida, adornaba la sexta portada de la nueva revista Artforum.
En la década de 1960, el trabajo de Goode fue etiquetado incómodamente como arte pop. Compartió algunos atributos de pinturas de Ed Ruscha, su amigo de la infancia de la ciudad de Oklahoma, así como a los artistas del sur de California tan diversos como John Baldessari, Billy Al Bengston, Wallace Berman y Vija Celmins, con quien estableció la vigorosa escena artística de los años 60. Pero esos artistas abordaron imágenes representativas de una amplia variedad de maneras. A medida que su carrera se desarrolló durante las siguientes cinco décadas, y cuando los movimientos artísticos comenzaron a desentrañarse como una forma de caracterizar el arte, el término se fue.
Joe Goode, “Sin título”, alrededor de 1968, madera y alfombra
(Museo de Arte Contemporáneo)
Goode casi siempre trabajó en una serie, por ejemplo, haciendo múltiples esculturas de escaleras cuya repetición ordenada de las bandas y elevadores rectilíneos colocó una lengua doméstica firmemente en la mejilla industrial de la geometría nítida del arte minimalista. (La alfombra suavizó los bordes fríos). Colgó papel pintado y lienzo en una línea y los lanzó con pellets de escopeta, la trituración aleatoria establecía capas de color cuando las sábanas se colocaron sobre la otra, o exponen la pared de la galería como otra capa pintada más. Pintó nubes a la deriva a través de los cielos azules, luego las arrancó y volvió a montar los cielos a su gusto. Salpicó y vertió adelgazamientos líquidos sobre la pintura, causando reacciones químicas para quemar agujeros en la superficie, “pinturas de ozono”, los llamó.
La destrucción creativa fue un tema regular. (Incluso en la clase de arte de la escuela secundaria, Goode se había deleitado en hacer que las esculturas se incendiaran). Un elemento de violencia era apropiado para una era desgarrada por la guerra, los disturbios de los derechos civiles y la degradación ambiental épica, pero Goode redimió el tumulto a través del arte.
Un resultado fue un extenso registro de exposición, más de 120 espectáculos en solitario en museos y galerías a nivel internacional, así como una representación en casi 30 colecciones de museos, incluidas extensas participaciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Americano de Whitney de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de San Francisco. A Goode le sobreviven su esposa, Hiromi, y su sobrina Yuki Katayama. No se planea ningún funeral para el artista, pero según un portavoz de la Galería Michael Kohn, que representa al artista, se está discutiendo una celebración conmemorativa para una fecha posterior.
